Omnidireccionales II

Habíamos acordado que el uso de omnidireccionales introduce un novedoso esquema de grabación. Podría ser una buena opción para un sonido renovado. Se asumen que estos micrófonos debe registrar el sonido desde los planos medios y generales. Se lograr unidad, empaste, equilibrio y se evita además dejar partes vacías en la escena global. Si los micrófonos son excelentes y se graba con alta densidad de información a través configuraciones AD-DA exigentes los mismos micrófonos manifestaría un nivel de detalle óptimo. (Localización +  Detalle) + (Equilibrio + Profundidad + Panorama) con muy pocos elementos.

Espectacular!!

En sello holándes Challeger Records – The Spirit of Turtle podemos escuchar un ejemplo perfecto. Se puede observar fácilmente la disposición de los micrófonos RCM-402 junto a los muy peculiares surround BLM-21. Pocos recursos pero excelentes, organización clara y precisa de omnidireccionales. Todos los músicos son ahora integrantes, interpretes que comparten el espacio sin límites o fronteras. Bien definida la esencia de cada instrumentos. La calidad técnica de los interpretes es espectacular. Había escuchado la mezzo Cora Burggraff cantando Mozart con un nivel técnico brillante.

Si te consultas foros y/o lees la literatura para grabar clarinetes o saxos verás que es muy frecuente colocar los micrófonos a 20 cm del instrumento, frontalmente. Aquí vemos justo lo contrario con resultados superiores. el ingeniero – productor que graba esta joya se llama Bert Van Der Wolf y explica de forma clara cuál es su técnica. Sin conceptos no hay nada.

El micrófono de la solista es también Sonodore, un multipatrón MPM-81 accesible económicamente para su calidad, una alternativa de costo más reducido a Brauner VM1 que junto a C716 y C700S de Josephson, son los mejores con los que he trabajado, de largo. El micrófono Josephson 700S aporta una direccionalidad tridimensional que se integran son el plan omnidireccional. Pronto tendré de explorar los límites de esta combinación.

En definitiva: (a) graba en multicanal surround, no substraigas la información del ambiente, (b) Elimina los spots ultradireccionales y añada omnidireccionales de gran calidad en el plano medio-corto. Ahorrarás muy dinero.(c) Preocúpate por el ambiente, el aire general que debe escucharse las grabaciones. (d) Si vas a grabar un CD convencional mezcla desde la información ambiental en tu DAW.

Omnidireccionales

Debemos ser consecuentes con el estilo de grabación que hemos elegido. La tecnología es el factor clave para concretar materialmente las ideas y conceptos. Cuando hablo con especialistas de primer nivel me doy cuenta que no sólo saben mucho; además son ricos en planteamientos inspirados en conceptos. Por supuesto, persigues el beneficio económico de una cierta forma, no de cualquier forma. El tema del post de hoy está a medio camino entre la elección de recursos técnicos de grabación, micrófonos, y la estrategia general de grabación. Expondré algunas ideas sobre por qué  he decidido apoyar las grabaciones en un tipo concreto de micrófonos de patrón, los  omnidireccionales. Esto no significa que pase de los demás tipos de micrófonos o que utilice los en exclusivo.

Como comentaba este post surge a raíz de la adquisición de cuatro micrófonos omnidireccionales RCM-402 del fabricante holandés Sonodore. ¿Por qué micrófonos con un patrón “omnidireccional”? La respuesta es que me he propuesto hacer grabaciones en los instrumentos y las voces de tal forma que estén integrados en un todo, sin huecos, sin espacios vacíos, fundidos naturalmente. Dicho de otra forma, superar las limitaciones de los micrófonos cardioides o hiper-cardioides. El esquema tradicional de grabación afirma, tal como yo lo entiendo para la clásica, que hay que emplear disntos planos de grabación, por lo menos tres: (1) un plano general con micrófonos amplios (omnidireccionales, omnidireccionales cerrados hasta “open-cardioides”) a modo de registro de la perspectiva global, de escena panorámica en la que se aporta el balance y equilibrio. En la misma sesión el ingeniero de sonido (2) debe planificar la pérdida de presencia, concreción y detalle en los instrumentos y voces a través micrófonos auxiliares, de apoyo, denominados spots colocados a una distancia inferior a un metro de la fuente. El caso típico es la voz o los instrumentos solistas. También los distintos instrumentos que toman protagonismo puntual en la grabación: un oboe, el fagot que hace el contra-tema, o el solo de trompa. En la dimensión (3) más lejana es necesario el registro de la reverberación natural de la sala acoplada con las resonancias de los instrumentos mediante la intervención micrófonos específicos. Estamos en el dominio de los micros “outriggers” y “surround”. En este apartado, puede y debe usarse cualquier micrófonos con cualquier patrón de polaridad en función de la lectura del espacio y de la integración con los micrófonos principales. No es lo mismo grabar para disco SACD con 5 canales diferenciados que para un disco de vinilo con una imagen estéreo 2.0. No es lo mismo una iglesia que un salón con abundante madera y cortinas.

El problema del “hueco de los micrófonos con patrón cardioides” es que producen un entramado de sonidos en exceso localizados, a veces, notablemente separados del instrumento contiguo. Sonido -> hueco -> sonido. Esta segmentación es típica en la música pop grabada en estudio o a través de PA. Lo reconocerá fácilmente al atender cómo se integra la voz solista con el conjunto. No están en el mismo plano. El mismo fenómeno puede extenderlo entre todos los instrumentos. En la música clásica y jazz es menos evidente, no obstante, también podemos advertirlo. Lógicamente el uso de spots cardioides también tiene sus ventajas: localización precisa, detalle, posibilidad color en la mezcla. Tengo la impresión que nos acostumbramos cada día más a este estilo. No es ni bueno ni malo, es una forma de grabación en la que los procesos de grabación pop de estudio se generalizan a otros estilos, un producto de cómo nuestro criterio musical se acomoda a las nuevas tendencias. Mi visión particular de proceso no es del todo buena. Mi preferencias se desplazan hacía el terreno el conjunto antes que las partes.

El uso de micrófonos construidos con el diseño de “gradiente de presión” introduce varios problemas adicionales: presencia de color indeseado y artificial cuando reciben información fuera del eje, y cierto realce en las frecuencias bajas – subgraves –. La colocación en estos tipos de micrófonos cardioides es crítica: demasiado cerca implica grados de “efecto proximidad” crecientes; demasiado lejos ocasiona cierto color por la entrada de sonido en un plano inadecuado respecto a la membrana. La parte buena es que reproducen los detalles mejor que ninguna otra tecnología.

La solución es sencilla: (a) no perder jamás la referencia del sistema de microfónos principales, y/o (b) utilizar micrófonos omnidireccionales también para el registro de instrumentos puntuales. El resultado es que un solo micrófono omnidireccional podría cubrir diferentes instrumentos a modo de “spots amplios” y a la vez integrarse mejor con los instrumentos adyacentes, sin dejar huecos, zonas vacías. Una sensación mayor de continuidad e integración entre los elementos parece deseable. En una palabra, explotar más el espacio con la participación de micrófonos amplios. La tecnología de estos micros es más sencilla y el sonido más natural que otros con el patrón polar más cerrados.

Últimamente estudio técnicas de grabación con micrófonos omnidireccionales que incluyen substituir los spots tipo MK4 por omnidireccionales tipo MK21 – en terminología de Schoeps-, es decir, omnidireccionales cerrados. Sonodore ofrece dos modelos ideales para en el plano medio: RCM-401 y el LDM 54. Josephson dispone del modelos C617 con cápsula Geffel 21, y Schoeps el amplificador CMC6 + Cápsula MK21. Sennheiser – AKG o DPA no son tan interesantes como los anteriores a mi juicio. Sonodore es ideal porque han sido diseñados “exprofeso” para funcionar por igual como sistema principal como para grabar en el complicado plano medio (0,75 a 1,5 metros de la fuente con la intensión de grabar un sector, no el conjunto). En general todos los micrófonos omnidireccionales producen un sonido natural, equilibrado, “livianos” si están correctamente situados y han sido fabricados por un buen ingeniero como David Josephson o Rene Heijnis, dos innovadores en la arquitectura técnica de los micrófonos.

¿Qué ha cambiado? La enorme cantidad de información detallada que incorpora la señal de los micrófonos omnidireccionales han permitido que estos micrófonos aporten soluciones interesantes para una empresa contemporánea. Metáfora: es como una fotografía con gran angular en la que cada parte concreta de la escena tiene una cantidad información semejante a una toma de 50mm o de un zoom 120. Es la interacción de los diseños de los micrófonos omnidireccionales con las técnicas de sobre de grabación digitales a 24 bits y 192 kHz. Ahora los omnidireccionales son también micrófonos detallados, casi tan detallados como otros mas direccionales.

En la grabación clásica, desde el paradigma tradicional tal como yo lo entiendo, la sensación de espacialidad se logra mediante el paneo. La apertura de la imagen mediante plugins, como el “center” de WAVE, o mediante hardware específico. Ambas opciones son recreaciones realizadas por el editor – mezclador. Con los micros omnidireccionales paneados al 100% R y L los instrumentos se colocan “naturalmente” en la imagen. Los micrófonos de “gran apertura” son más realistas con menos esfuerzos, de camino ensamblan los instrumentos en un tejido homogéneo, sin huecos. Las técnicas de grabación micrófonos recogen la fuente y su reverberación en 360 grados. La configuración de micrófonos con figura en ocho podría ser interesante si no fuera porque su campo de “escucha” predominante es hacía delante y hacia atrás. Su punto fuerte, la creación del setup clásico Mide-Side M/S en colaboración con un omnidireccional o cardioide.

La opción de grabar con omnidireccionales en el plano general y medio resulta ser muy ventajosa si valoramos las grabaciones en el ambiente. Por supuesto existen otras opciones razonables. Oír en la música en el espacio, en su propio espacio, parece algo evidente. No lo es tanto. Las técnicas actuales trasladan el sonido al campo casi de lo virtual. Se pierde la atención en procesos como escuchar el recorrido de la dinámica o el fundido de distintos instrumentos en la grabación. Cierto, algunas de estas consideraciones podrían ser descritas como impresiones personales. El concepto de “dar aire” a la grabación puntal de un instrumento representa lo que quiero decir: no apretar las ganancias, dejar que las “moléculas”, los “granos del sonido” se desenvuelvan con naturalidad alrededor del instrumento.

La grabación con omnidireccionales el rica en detalles en una escena panorámica. La profundidad de los timbres se ve reforzada por los micrófonos de presión pura. Responden mejor a las frecuencias bajas. Es verdad, son más lentos que otros tipos de patrones de direccionalidad, lo que acarrea dificultades en el registro de los crestas ultra-rápidas de las altas frecuencias transientes, una especie de “ultra-round” inherente a las frecuencias superiores a 9 kHz. Lo correcto es denominarlos “respuestas transitorias”. Esta riqueza, naturalidad y neutralidad hacen de los micrófonos omnidireccionales ideales. El mejor micrófono que he probado incluso para grabar voces, es un omnidireccional de Josephson junto una doble cápsula bidireccional. Brauner, Manley también tienen micrófonos de multipatrón en los que las voces quedan registradas maravillosamente en la modalidad “sólo presión”. Escuchas el borde de las voces, el centro y su interacción con el entorno.

En otro momento les explico nuevas técnicas en las que la grabación espacial con micrófonos principales omnidireccionales se complementa, e incluso los puede substituir, con otros en el nivel de la grabación puntual, por lo que se desplaza los cardioides de su campo natural, la proximidad y presencia. El resultado es impresionante: sonoridad profunda, rica y detallada, libre de rincones inertes. Cierto es que para aprovechar todas sus cualidades al máximo parece imprescindible grabar en formato multicanal L, R, C, RL y RR para luego crear una imagen estéreo convencional que genera la magia de oír en más planos que el frontal. Una red de micrófonos omnidireccionales para todos los planos.

HAPI – Horus Merging

Parece claro que una productora debe alimentar un conjunto amplio de sensibilidades y estrategias de consumo: (1) CD, (2) Descarga y Streaming, (3) SACD,  (4) Bluray, (5) LP (super audio analógico) (6) masters audio y (7) Evento en directos vía streaming. Cada producción debe balancear los intereses desde el consumidor que se conforma con un MP3 hasta el exclusivo coleccionista de LP íntegramente concebidos para al experiencia analógica, fuera del cauce digital, desde el micro hasta la cápsula del reproductor de vinilo. Algunos productos son sencillos para el productor como la creación de ficheros con compresión. Los más difíciles son el audio super-analógico y los SACD. Los eventos en streaming son un mundo aparte.

Mis empresas producción y grabación de referencia todas asumen por defecto el SACD compatible (hibrido)  con CD. Es la más correcta solución pues suministras un CD de más calidad, y una segunda vía multicanal con mayor rango dinámico, una frecuencia de muestro con mayor profundidad, y una sensibilidad más analógica (este último punto es una impresión personal). Los SACD y los bluray son entes complejos, deberían estar enterrados por una lógica masiva de consumidores que disfrutan con el “sonido torcido” del MP3. Si embargo,  en estos últimos tiempos los LP como opción analógica y SACD resurgen, se revitalizan. No hay color, el SACD es el punto de encuentro entre las producciones en alta fidelidad I y II y una inversión reducida para su escucha satisfactoria. el CD convencional es un engendro técnico  limitado.

Merging-icone-Interface-Audio

Entre los principales problemas que tiene Ciaccona Records – Netabora es la falta de un sistema de grabación DSD – DXD con muy alta calidad. Este hueco va a ser rellenado en breve con la adquisición de un nueva unidad de grabación especializada desde 44.1 a 340 kHz en PCM, y hasta DXD, el más denso formato de grabación en la ingeniería de audio comercial. No se pueden grabar SCDA nativos sin un hardware especializado y un entorno de producción nativo orientado a este formato. Siempre ha sido objeto de deseo los productos de la empresa suiza Merging Technologies. Disponen de dos sistemas de previos, conversión AD y DA, y conectividad Ravenna o MADI del más alto nivel en transparencia. El más pequeño responde al nombre de HAPI y ofrece la misma calidad de componentes que el mayor denominado HORUS pero en menor cantidad de canales. Hapi es una versión reducida de Horus sin perder un ápice de su extraordinaria calidad. Horus y Hapi son igual de potentes, muy brillantes. HAPI  permite el escalonamiento  a menor costo. Permite configurarlo de muchas formas en función de la demanda con sólo aplicar un cambio de tarjetas. Ambos son sistemas modulares.

output

 

HAPI de Merging Technologies tiene además dos ventajas adicionales: (a) es una interfaces fácilmente transportable y  (b) Se adapta al entorno MAC y a otros DAW distintos a Ovation y/o Piramix, los dos entornos de producción y edición de audio de Merging, sin lugar a dudas, los más potentes en la categoría PRO en la que la integración del flujo de trabajo y la respuesta en tiempo real en la super-definición de audio es u a necesidad. Imagina que grabas 32 canales en calidad en calidad 320Khz x 32 Bits y mientras grabas lo editas, además aplicas 12 plugins de 64 Bits y grabas un backup de seguridad del bruto y de la mezcla por caminos independientes. Piramix cumple con “sin despeinarse”.

Hapi_2L_Norway
Mi intención es grabar en un plazo medio a grandes orquestas OST y OFCG de Canarias, con un talento inmenso, con el sistema HAPI de Merging. El entorno de varias unidades HAPI lo harán posible con un registro espectacular desde el punto de vista técnico para grabaciones multicanal Bluray o SACD. Sea en el terreno de lo reducido o en el gran formato orquestal Merging ofrece un soporte de grabación ideal junto con grandes micrófonos como Josephson C617 , Sonodore.  Los mejores resultados los logra con la combinación de los micrófonos omnidireccionales Sonodore RC-402 y LDM 54 fabricados por el ingeniero holandés R. Heijnis. Cuatro de estos micros se bastan para registrar con presencia una orquesta sinfónica con más detalle panoramico y “presencia interior”, permítame una licencia poetica ahora, que montones de  micrófonos schoeps del concierto de fin de año en Viena. Los micrófonos Sonodore responden perfectamente al modelo de grabación en / con el ambiente les explicaré una técnica especial con cuatro micrófonos omnidireccioanles dispuestos en un eje tridimensional.  Invertir en tecnología HAPI supone un ahorro siempre que comprendas el valor de las grabaciones en el ambiente. Para las grabaciones analógicas A5 (supernalógicas) prefiero otra combinación con mesas analógica Ruper Neve Design y cinta de bobina Tascam. Diferentes estilos, diferentes tecnologías. Haremos un importante esfuerzo para adquirir cuatro micrófonos Sonodore y un equipo basico Hapi de Merging.

La Petite Bande – S. Kuijken – “The Spirit Of Turtle”

Desde pequeño escucho la “Noche de Reyes” la sexta cantata del Oratorio de Navidad de J.S. Bach.  Es un motivo otro cualquiera pero ajustado a calendario eclesiástico de interpretación desde 1735. La sexta cantata del Oratorio de Navidad (Weihnachtsoratorium) me emociona especialmente porque se mezcla con experiencia primarias. Desde 1980 sigo con atención las interpretaciones de Sigiswald Kuijken como interprete, y mas tarde como director de la agrupación “La Petite Bande”. Esta agrupación ha pasado por diferentes configuraciones sin que se pierda un gramo de su concepto interpretativo: sonoridad y autenticidad apoyada en una lectura comprometida con la técnica  junto a  una recreación plausible de la cultura del siglo XVIII. También atesoro las versiones de los quintetos y cuartetos de Mozart que Sigiswald ejecuta con su familia y amigos. No voy a aburrir al lector con mis impresiones técnicas sobre la aproximación general de “La Petite Bande”, sólo una frase: entre el amplio juego se sensibilidades y lecturas de las obras de Bach las versiones del equipo de Kuijken son muy especiales: maravillosas, precisas a la vez que discurrir afectivo, respaldados por una nivel técnico de excepción y sinceridad. Lo máximo a lo que se puede aspirar en nuestra actual red de categorías, en mi muy modesta opinión. Por supuesto, no son las únicas con las que disfruto, pero si son con las que más lo hago. Ayer mi hija de 11 años se sentó a mi lado para escuchar la sexta cantada del Oratorio, la de los reyes magos. Yo también lo hacía con mi padre.

“The Spirit Of Turtle” no hace referencia a Ensamble de interpretes de S. Kuijken. Se refiere a una productora muy especial, ese tipo de empresas que condicionan el trabajo técnico a un ideario o perspectiva previa, en la que una visión global  une y conecta las decisiones técnicas, ensambla las partes práctica. No se puede acometer una producción musical sin significados, sin referentes que den sentido. Lo económico es el resultado, no el fin. El producto final no es sólo una mercancía, es un pedazo de materia que encarna valores. Los consumidores adquieren esos valores. La productora musical no se deslinda del comercio justo: información con significado especial. Este hecho tan básico es a menudo olvidado. Lo puedes llamar perspectiva, filosofía, enfoque organizado, o ideas que “te rondan por la cabeza”, lo cierto es que sin ellas no hay magia. El enfoque utilitarista es nada. La utilidad surge de las ideas.  La productora ” The Spirit of Turtle ” trabaja en asociación con Challenge Records. El tema de lograr una relación de empresas apoyada en las sinergías merecería un comentario extenso en otro momento.

En los últimos tres años he tropezado con ” The Spirit of Turtle ” a través de S. Kuijken y T. Koopman.  Ben van der Wolf es la persona sobre la que se centra la actividad cuya actividad está centrada en una productora super interesante llamada Northstar, cuyas grabaciones son las mejores que he escuchado en los últimos tiempo :

The Spirit of Turtle: An Artist Philosophy...

We seek to collaborate with artists who share our vision to communicate music through recording and playback in the highest possible quality and therefore honoring the sound of reality. Artists who also share our desire to reveal the legacy of great musical minds such that their art reaches as many as possible. Authenticity, inventiveness, sampling and re-working of master pieces can go hand in hand and no musical convention has merits or truth on its own, rather than it being used as an extra tool to create great music and sound.

The Spirit of Turtle is about music and how we can communicate this optimally from performer to listener. A quest for transparency whereby an unconditional dedication and effort is shared and invested by all involved to reach our goals. A gateway between performer and listener that in the best case adds nothing, and takes nothing away from a real life performance.

The Spirit of Turtle: A Recording Philosophy

The Spirit of Turtle strives to let music sound in an acoustic environment whereby the collision of air molecules creates the ultimate blend and balance, rather then to synthesize sound and balance it through electrical currents in mixing boards. Also electrical synthesized music must sound at some point, and The Spirit of Turtle tries to deliver this sound in a way that is believable and similar to a real sounding concert where human beings are involved rather than only abstract soundscapes. Often small noises and even fragile musical moments bring the holographic nature of a recording to life. This philosophy delivers honest, dynamic and extremely colorful recordings in which the musical message comes across in a logical set-up which we recognize to be similar to experiencing a live performance.

Átomos de conocimiento. mónadas musicales. Sin la exposición a estas ideas no hay un producto comercial completo.

Las versiones de S. Kuijken – La Petite Band están embebidas en este espíritu o filosofía. Cuando escuchas “Oratorio de Navidad” recibes la información que surgen el director y los interpretes.  También del ideario de la productora que permite y estimula su expresión libre. Posiblemente la conexión entre estas dos dimensiones sea inexplicable con palabras, una acto no verbal. Los significados musicales son así. Los que escriben mucho, como yo mismo, quizás no entendamos nada.

La interpretación de S. Kuijken de todos los trabajos realizados tienen una configuración muy precisa: una voz por cuerda en la sección coral, y una orquesta reducida a dos violines  primeros, dos violines segundos, una viola y un chelo y/o a “violoncello da spalla”, junto a la mínimo agrupación de “instrumentos de aire” y un órgano. No es una agrupación para ahorrar, es una solución conceptual: sencillez con el máximo y desnudo control técnico que pueda concebirse. No entraré en el desgastado y mecanicista debate sobre si la cantidad introduce cualidad. La cualidad de una agrupación mínima es en si misma suficiente, única. Tampoco entra en confrontación con lecturas mas densas. Es un problema de menú, de opciones, de lecturas. Existen otras versiones reducidas de las cantatas de Bach sólo con solistas. A mi juicio, algunas de ellas son limitadas,  simplificaciones, interpretaciones sin la convicción necesaria.

Disfruto como un niño, como mi hija quizás, con las versiones sencillas de S. Kuijken. No confundan lo sencillo con lo simple. Las versiones de Kuijken para el “Spirit of Turgle” – “Chanllenge Recording” son sencillas, con número de elementos pequeños. No obstante, su interpretación repele lo fácil. La posibilidad de error, la exposición a problemas en las texturas de las voces, la pureza en la articulación de las voces hacen de estas versiones un juego muy difícil y expuesto. El desnudo de la exposición de los temas, con sus micro inflexiones producen otra forma de oírlas. El mínimo error es audible. En este caso, las versiones de Bach descansan sobre la equilatada estructura armónica de Bach – en si mismo- sin el envolvente de la gran dinámica. Un jardín bien podado, un ecosistema autosuficiente. Disfruto de la música de Bach, con mis partituras o sin ellas, como jamás lo había hecho. Por supuesto, el campo es amplio y existen hermosas “versiones extensas” de la obra de Bach como “La Pasión según San Mateo” que Gustav Leonhard grabó con “La Petite Bande” con doble coro, doble grupos instrumentales  y doble solistas. Lo uno y lo otro es objeto de deseo, de entusiasmo. ¿Por qué limitarse?

Entre las expresiones escritas en su blog  por el Sr. Ben van Leliveld me han llamado la atención varias ideas coincidentes, en especial una: “Hay una enorme diferencia física entre la fusión de los electrones en los cables de señal y moléculas que viajan a través del aire y los resultados son evidentes”:

Sharing Air Molscules” …. There is a huge physical difference though in merging electrons in signal wires and molecules traveling through the air and the results are obvious. That is why layering and over-dubs do work actually. One can make any mix with recording tracks completely separately and layer them, but this also means that there is far less interaction between them. The one is the result of the other. Sharing the air molecules however asked for careful playing and balancing, but result into the most enchanting combination tones and harmonics that cannot be achieved through electrical layering”.

No voy a enrolarme mucho en este punto. Es totalmente cierto: la técnica debe de no perder el halo del sonido real en el espacio concreto. El sonido original ocurre en el espacio, es lo único que no es una construcción técnica deliberada, es un primitivo (no un espejo), un valor el referencia frente al que el ingeniero de sonido debe ser sensible. La filosofía de Ben van Leliveld tiene mucho sentido dentro de las ideas de G. Leibniz: el unido está construido sobre elementos simples, él las llamaba mónadas, pueden ser también sonidos aislados o en series, moléculas de aire en expresión del Sr. Leliveld. Para Leibniz las “moléculas de aire que se comparten” no son otra cosas que sustancias imprenetables, como casas sin ventanas. Captar la realidad musical es comprometerse con esta maraña sonidos en equilibrio. La técnica funciona como un detector de mónadas, también en la música como átomos o moléculas primitivas. Supongo que estas ideas causarán extrañeza. Si quieres construir algo interesante debes tener en tu cabeza cosas por el estilo y esperar que se fundan en tu cabeza con tus intereses. Preocúpate por la diferencia si quieres que las cosas tenga sentido, tu sentido.

Por último, me apena profundamente saber que “La Petite Bande”, a la que he escuchado con placer media docenas de veces en directo, pase por problemas económicos hasta el extremo riesgo de disolución. Creo que los Belgas sabrán quienes son sus auténticos embajadores.

Viena 2015: Concierto de Navidad

Algunos amigos me han comentado que escriba algunos apuntes técnicos sobre el concierto año nuevo realizado por la Wiener Philharmoniker el jueves 01 de Enero de 2015. La primero es comentar que la sede habitual de conciertos es la Wiener Konzerthaus -la casa de conciertos- y no la Große Saal de la Wiener Musikverein (La sala Sala Dorada de la Musikverein de Viena) que junto con la de la Concertgebouw de Ámsterdam, el mejor espacio sonoro para conciertos.

El concierto de Fin de Año implica un un montaje tecnológico y un plan de grabación muy complejo. Intervienen 35 micrófonos Schoeps, y algunos AKG. AKG es una empresa Vienesa. Schoeps es alemana. Los micrófonos de pequeña membrana de AKG no tiene el reconocido prestigio del suave y equilibrado sonido de los micrófonos Schoeps. Los mejores micrófonos de la empresa austriaca con membrana grande, como los famosos C414, impracticables para una grabación en la que los elementos técnicos casi no deberían ser captada por ninguna 18 cámara de video HD. La variedad de micrófonos Schoeps es un amplia: cápsulas MK4, MK4V (cardioides), MK 2, MK21, MK22, MK2H (omnidireccionales) , MK8 (bidireccionales) con el amplificador CMC 6 y/o CMC 5. Estas combinaciones reciben el nombre de sistema Colette. Sin embargo, la serie de micrófonos más usados para el concierto pertenecen la serie CCM, una versión reducida de los anteriores colette: micrófonos compactos de condensador: CCM 4, CCM 41, CCM 2, CCM 21, CCM 22, CCM 8, que son los auténticos artífices tecnológicos del concierto de año nuevo. Los CCM disponen de accesorios en forma de tubos y cables rígidos que permiten situar los micros en el suelo (en forma de soporte de cuello de cisne) o colgados en el techo a través de un cable semirígido. Tú no los lo ves pero están.

El plan de grabación es complejo:

(1) Un sistema estéreo formado por una unidad central Decca Tree con tres omnidireccionales CCM2, más dos wide-cardioide CCM 21 en los extremos del árbol. Un árbol decca con 5 micrófonos par registrar la sonoridad central de la orquesta. el sistema Decca Tree aporta el centro del sonido para el estéreo 2.0, y el valor central frontal , derecho frontal e izquierdo Frontal (C,L,R) para el registro surround 5.1. Es el principal sistema de grabación. En total cinco micrófonos más dos de apoyo laterales de refuerzo. Sin este sistema la grabación de vendría abajo.

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(2) Un sistema de captación con cuatro micrófonos bidirecccioanales CCM 8 (figuras en ocho) que recogen el hermoso sonido de la sala con una técnica conocida como “Hamasaki Square

Hamasaki-Square

Como sistema de captación surround Schoeps dispone de un alternativa al sistema Decca Tree que no es otro que la técnica OCT (Optimized Cardioid Triangle Surround) con tres micrófonos cardioides en su versión simple, y siete en la compleja:

 

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La OCT técnica ofrece un sonido más detallado junto a una imagen mas centrada que el tradicional Decca Tree. La OCT desarrolla sonido demasiado directo sin el complemento de los micrófonos bidireccionales de la técnica del cuadrado de Hamasaki. La literatura y experiencia técnica sobre el Decca Tree es más amplia y contrastada que la OCT. El grado de complejidad de la OCT es mayor que la mezcla del Decca Tree con los bidireccionales del grupo Hamasaki. En definitiva, Decca Tree es la técnica mas usada por algo.

También puede montar un sistema surround con una técnica Doble M/S. Esta opción nos gusta especialmente aunque necesita de un sistema plugins exclusivo de Schoeps para codificarlo de forma automática.

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En la parte esencial, el núcleo de microfonía del concierto descansa sobre dos sistemas: Decca Tree (3+2+2 micrófonos) y “Hamasaki Square” (2+2 micrófonos), en total 11 micrófonos. La versión del Hamasaky Square en el concierto lleva dos F8 en la parte frontal y dos cardioides en la parte trasera (Rear Left y Rear Right) para aportar mayor concreción en las acústica de la sala

(3) Tercer grupo de micrófonos spots : 24 micrófonos direccionales tipo cardioides CCM 4, CC 41 y open cardioides CCM 22 para recoger el sonido directo de los instrumentos. En la sección de cuerdas cuelgan desde el techo, en las secciones de viento, metal y percusión están colocados estratégicamente desde el suelo con pie (cuello de cisne) a la altura del atril. Ninguno de estos micros “spots” es fácil detectarlo. Son los encargados de aportar concreción y definición a loas secciones orquestales y apoyar los instrumentos solistas. Aunque son muchos micrófonos la pérdida del sistema de micrófonos spots no produciría una catástrofe, para ser sincero prácticamente no se notaría, su experiencia acústica sería la parecida a la que tiene cualquier persona sentada en la parte media de la sala. Por cuantificarlo, el tercer sistema genera el 10% del sonido global como máximo pese aportar una tercera parte de los micrófonos.

(4) Micrófonos de apoyo ambiental y refuerzo: outriggers. CCM 2 yCCM 21. Su función en ampliar la imagen estéreo con apoyos puntales. El sistema de refuerzo puede mezclase con los dos primeros en función de los apoyos puntuales que sean requeridos o permanecer cancelados.

Los micrófonos se conectan a través stageboxes y una red digital óptica Optocore LX4 con el sistema OBVan HD (una especie de camión para producción) para ofrecer sus señales a un mezclador de audio Lawo mc²66 para ofrecer el sonido multicanal 5.1. La mesa Lawo MC66 codifica y mezcla a 96 Khz x 24 BIts para la grabación multicanal y la radio.

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SI, efectivamente, la retransmisión radiofónica puede oírse en 5.1 surround sound en Austría y Japón. Para la radio la organización dispone de una segunda mesa de mezcla Studer D915 MKII.

Previos de micrófonos: No dispongo información. Lo mas normal sería usar los convertidores de la propia mesa LAWO que llegan a través de protocolo MADI o Ravenna. Todos los cables de audio se reduce a un simple cable parecido a los del teléfono. La mesa LAWO es Ravenna nativa. Sería natural usar un convertidor Ravenna – como por ejemplo el maravilloso Horus de Merging – muy cerca de los micrófonos y lanzar la conversión completa en calidad DXD a la mesa por el mismo protocolo. Si quieres lograr más calidad puedes integrar antes un convertidor AD – unos pre-amps analógicos schoeps – para los 11 micrófonos principales. La mesa LAWO dispone de un sistema completo y complejo de router y direccionamiento IP por lo que cualquier mezcla es posible y cualquier output “a deseo” del ingeniero.

Entre preamps, convertidores AD con protocolo ravenna o madi, micrófonos CCM, mesas, soportes, electrónica de transmisión y almacenamiento diverso para la señal antes y después de la mezcla el valor material implicado en la retransmisión no es inferior a 250000 euros. La mitad del valor corresponde a micrófonos y previos. Participan cinco ingenieros de sonido. Esto sin incluir la sección de streaming.

Todo el dinero del mundo no es nada sin un plan de grabación: Decca Tree + Hamasaki Square + Spots + Outriggers. ¡¡ Buen tinglado !!

Nueva Plataforma Portátil: Lenovo Z50 + Samplitud

Netabora ha adquirido para su sello discográfico Ciaccona Records una nueva plataforma de grabación portátil basada en la tecnología de Lenovo. Se trata de un doble procesador i7 de nueva generación con 16 Gigas de memoria RAM y disco duro SSD-HD integrado para registrar el audio a la máxima velocidad en integración con nuestras interfaces RME, Mytek y Prims.

La elección de nuestro primer sistema recae en el MAC-Pro Retina de Apple con cientos de horas de grabación por puerto USB-3 y ¡0% de error! Ni un sólo fallo en dos años, incluso con grabaciones densas a 192 kHz x 24 Bits x 16 canales, o 96,2 kHz x 32 Bits PCM, y DSD 2,8 MHz/1 bit. Motivo: nos hace falta un segundo nivel alternativo de procesado en windows sobre los productos MAGIX y un sistema económico de respaldo. También queremos probar el DAW samplitud de Magix , del que tenemos las mejores referencias en el modelado digital – analógico en sus buses centrales. Actualmente estamos en test con una versión de prueba.

La preferencia de Netabora – Ciaccona Records por combinar la potencia con movilidad se debe a nuestra exigencia de graba en espacios naturales, no en estudios, aspectos que determina la elección del hardware de grabación. La mezcla y masterización se realiza en nuestros estudios, aspecto en el que aún tenemos mucho con mejorar con la mejora correcto tratamiento acústico de la sala y la elección de nuestros monitores de campo medio y lejano de las prestigiosa empresa PMC. Por ahora, tiene prioridad los equipos Masalec de masterización.

Masalec MEA-2 (EQ) y MLA-3.

Mi interés principal por la compresión en el bus de masterización se ha decantado hasta ahora por una combinación entre el compresor central Portico II de Rupert Neve Design, el compresor 8900 de Massenburg (GML) y la EQ 8200 de GML de cincos bandas. Del sistema Neve me gusta los dos estilos de compresión y los recursos de expansión y control del tamaño de la imagen. Cualquiera de los productos de G. Massenburg justificaría su inversión en si mismo siempre que tu prioridad sea producir el “mejor sonido”. Por supuesto, hay otras posibilidades como Gyraf o Millennia. He modificado un grado mis preferencias a raíz de la inclusión de los previos masalec insertos la plataforma Atlas de Prism Sound.

En breve incorporaremos los elementos claves para el canal de masterización: Un ecualizador paramétrico de cuatro bandas MEA-2 y el compresor de dos bandas MLA-2 de Masalec. No descartamos adquirir más adelante en compresor de tres bandas MEA-3.

Con estos equipos garantizamos un “master bus” de primer nivel, no inferior a las más destacadas empresas de producción musical al más alto nivel.

Un sueño. Admitamos que la línea mas recomendable para la excelencia en el audio se centra en mezclar enteramente con recursos analógico en sincronización con tu DAW. Esta es la función del MTC-1X Stereo Mastering Console. Si necesita un control transparente de su ruta, el sistema MTC es un buen candidato. Funcionaría igual de bien como un controlador de monitor o una etapa final para la mezcla también. Y cuando utilizo la palabra transparente, nos referimos a valores inferiores de ruido interiores a 0,5 Hz para 1 MHz. El ruido global de entrada hasta a salida con ganancia en la unidad es menor de -97 dBu, 20-20 kHz, sin ponderar: ponderación A -99 dBu. El espacio libre es mayor de 29 dBu y el rango dinámico es superior a 126 dBu. El mecanismo es sencillo, entradas e insertos se combinan en el interior de este “aparatito” de 8000 euros. Tu sistema MEA-2 y MAL-3 se insertan en el sistema y se mezclan de forma balanceada com,pletamente analógica hasta realizar un diseño analógico del audio, sin huella sonora por el hardware. El sistema no tiene audio, lo procesa sin pérdida ni modificación., Es un entorno de mezcla sin memoria, sin automatización, sin DS. No hay entradas digitales, excepto un único reconocimiento de la existencia de audio digital en absoluto: “DAW”. Este es uno de los pocos cacharros que tus nietos te agradecerán.